モーツァルト：交響曲第41番

モーツァルトが、1788年に完成させた、いわゆる3大交響曲のひとつ。

ジュピターと呼ばれるが、モーツァルトが名付けたものではなく、その壮麗な音楽のイメージから、後世にそう呼ばれるようになった。

第1楽章、アレグロ・ビビアーチェ。

前奏もなく、いきなり主題の強烈な音楽が奏でられる。まるで広大な宇宙空間を感じさせる、スケールの大きい音楽。

第2楽章、アンダンテ・カンタービレ。

第3楽章、メヌエット。

最後は、メヌエットという言葉のイメージとは違った、壮大な音楽になる。

第4楽章、モルト・アレグロ。

軽快で、しかも壮麗。フーガは、このままいつまでも、続いていくのでないか、と錯覚してしまうほど、聴く人を陶酔させてしまう。

確かに、ジュピターという名にふさわしい。

2013年、ルツェルン音楽祭での、サイモン・ラトル指揮、ベルリン・フィルの演奏。

モーツァルト：交響曲第40番

モーツァルトが、1788年7月に完成させた交響曲。ト短調。モーツァルトの交響曲では、短調は珍しい。

いわゆる3大交響曲のひとつで、第39番は同じ年の6月に、第41番は8月に完成させている。

第1楽章、モルト・アレグロ。

あまりにも有名な第1主題のメロディー。軽やかながら、どこかに哀愁を感じさせる。

第2楽章、アンダンテ。

メロディー自体は、穏やかだが、緩急、音の大小などが所々で見られ、喜び、悲しみなど、この音楽を聴く人に、様々な感情を呼び起こす。

第3楽章、メヌエット、アレグレット、トリオ。

濃厚な、第1、2楽章のあとで、小休止を入れるような、楽章。

第4楽章、アレグロ・アッサイ。

一転して、軽やかな音楽。冒頭の哀愁を忘れさせ、喜びの中にフィナーレを迎える。

2013年のルツェルン音楽祭。サイモン・ラトル指揮、ベルリン・フィルの演奏から。

ワーグナー：オペラ『バルジファル』

ワーグナーが1865年から書き始め、1882年に完成させた、ワーグナー最後のオペラ。

その構想は、ローエングリンを作曲した頃からあったという。

中世のスペインを舞台にした、聖杯を守る騎士の物語がベースになっている。

全体的に重々しい音楽で、ワーグナーは自らこのオペラを、舞台神聖祝典劇と呼んで、拍手をすることを禁じたという。

主人公のバルジファルは、汚れなき愚者とされ、ニーベルングの指環のジークフリートを連想させる。

親のない子供が、世界に平和をもたらすというテーマは、まさにニーベルングの指環のテーマでもある。

バルジファルは、白鳥を射落としたものとして登場するが、これは、ローエングリンを連想させる。

第2幕で、魔法使いのクリングゾルがバルジファルを女性を使って誘惑するが、これは、タンホイザーのテーマとも共通する。

そうした観点では、このオペラは、ワーグナーの総決算、とも言える。

その他にも、いろいろな箇所に、ワーグナーの思想に裏つけられた様々な”記号”が登場し、そこからいろいろな解釈を生み出すことができる。

キリスト教を毛嫌いしていたニーチェは、このオペラを巡ってワーグナーを非難して、二人は決別することになった。

純粋で無垢な人間が聖杯を手にする、というプロットは、映画レイダースの最初のシリーズ”失われたアーク”のテーマにも影響を与えているのかもしれない。

2013年のザルツブルク・イースター音楽祭の公演から。

ドビュッシー：オペラ『ペレアストメリザンド』

ドビュッシーが完成させた唯一のオペラ。1893年から1901年にかけて作曲された。

原作は、メーテルリンクの同名の象徴主義を代表する戯曲で、ドビュッシーの他にも、フォーレ、シェーンベルク、シベリウスらが、この作品を音楽にしている。

ドビュッシーは、このオペラを、当時流行していたワーグナーのオペラへの批判として作った。

今日から見ると、アリア中心の伝統的なオペラではなく、出演者が歌うというより、セリフを喋るようになっており、ワーグナーの楽劇、とある意味では、よく似ている。

勿論、音楽自体は、ワーグナーの壮大で権力者が好みそうなものとは、全く異なっているが。

このドビュッシーの試みは、シェーンベルク、ヤナーチェク、バルトーク、メシアンなどに大きな影響を与えた。

物語の最後で、ゴロー（バリトン）は瀕死のメリザンド（メゾ・ソプラノ）に対して、ペレアス（バリトン）との間でいったい何があったのか、真実の告白を迫るが、メリザンドはそのまま息絶えてしまう。

真実は、決して明らかになることはない、というメーテルリンクのメッセージが、妙に心に残る。

エッセン歌劇場の2012年の公演から。光と闇を効果的に使い、余計な物を一切省いた、ストイックな舞台演出が印象的。

プッチーニ：オペラ『西部の娘』

プッチーニが1907年にアメリカを訪れたのがきっかけで作曲され始め、1910年に完成されたオペラ。

文字通り、アメリカの西部が舞台となっている。

主人公の酒場の娘ミニー（ソプラノ）、ミニーが愛する盗賊のラメルス（テノール）、ミニーを愛する保安官のランス（バリトン）をめぐる、恋の物語。

イタリアオペラの愛憎劇が、所をかえ、荒々しい西部開拓時代のアメリカで、再現される。

第2幕で、ミニーがラメルスを救うために、自分とラメルスを賭けにかけて、ランスと対戦する場面が印象的。

プッチーニは、すべてが、賭けによって決まるという西部のルールを、緊迫感のあるドラマティックな音楽で見事に表現している。

2013年10月のウィーン歌劇場での公演。ミニー役はニーナ・シュテンメ、ラメルス役はヨナス・カウフマン、ランス役はトーマシュ・コニーチュニー。

シマノフスキ：交響曲第2番

ポーランドの作曲家、カロル・シマノフスキが1909年に作曲した作品。

同時代の、リヒャルト・シュトラウスやスクリャービンの影響を受けているといわれる。

第１楽章はアレグロモルトだが、第2楽章は変奏曲で構成され、そのまま第3楽章に切れ目なく突入する、という自由な形式の交響曲。

曲の感じは、確かにシュトラウスらしさを感じるが、シュトラウスほどの、派手さというかいやらしさがなく、そのあたりが、シマノフスキの独自性なのか。

フィナーレでは、盛り上がりを見せるが、盛り上がり切らないままに、拍子抜けするように、パッと終わってしまう。

シマノフスキは、結構、淡白な性格だったのかもしれない。

ゲルギエフ指揮、ロンドン交響楽団の2012年10月のロンドンでの演奏から。

ベートーヴェン：ミサ・ソレムニス

ベートーヴェンが、その晩年、1823年に完成させたミサ曲。

ベートーヴェンは、以前にもミサ曲を作っているが、そちらが伝統的な宗教音楽の手法を使って作曲されていたのに比べ、このミサ・ソレムニスでは、宗教的な内容を踏まえながら、純粋な合唱音楽としての特徴も盛り込んでいる。

ワーグナーは、この曲を、交響曲として聞いていたという。

同時期に作曲された、交響曲第9番と共通する部分もあるが、こちらの方が合唱が主体であるため、より多彩な合唱の音楽を聞くことができる。

キリエ。単なる宗教音楽ではないぞ、という印象で始まる。

グローリア。ベートーベンらしい、ダイナミックな音楽。

クレド。壮大なフーガ。

サンクトゥス。アダージョなどが含まれる。

アニュス・デイ。男性バスの重々しいアダージョで始まる。フィナーレは、ベートーヴェンらしく壮大に終わるのかと思いきや、宗教音楽らしく、静かな祈りのまま終わる。

アーノンクール指揮、ロイヤル・コンセルトヘボウ管弦楽団とオランダ放送合唱団による、2012年4月のアムステルダムでの演奏から。