リヒャルト・シュトラウス：ヴァイオリン・ソナタ

リヒャルト・シュトラウスが、1887年から1888年にかけて作曲した唯一のヴァイオリン・ソナタ。

シュトラウスの古典主義音楽から、ロマン主義音楽への転換機に作られた作品。

第1楽章　Allegro ma non troppo。ドラマチックな音楽。

第2楽章　Improvisation。即興曲。瞑想的な音楽。

第3楽章　Andante ― Allegro。伸びやかで、晴れやかなフィナーレ。

2024年12月のかつしかシンフォニーヒルズ モーツァルトホールでの公演から。ヴァイオリンはロマン・シモヴィット、ピアノはアンドレイ・ググニン。

リヒャルト・シュトラウス：オペラ『無口な女』

リヒャルト・シュトラウスが作曲し、1935年に初演された3幕もののオペラ。

原作は、イギリスの劇作家ベン・ジョンソンの同名の喜劇の戯曲。

それをシュテファン・ツヴァイクがこのオペラ用に内容をやや変えて脚本にした。

シュトラウスは、長年に渡りホフマンスタールとコンビを組んでいたが、ホフマンスタールが1929年に亡くなってしまい、当時売り出し中だったツヴァイクを指名した。

しかし、当時のナチス政権はユダヤ人だったツヴァイクの名前をポスターから外そうとして、シュトラウスは猛抗議の末にその名前を元に戻させた。

シュトラウスはそれまでナチスとは良好な関係を保っていたが、この事件をきっかけに、その関係は悪化していったと言われている。

ストーリーは、ある事故をきっかけに、音に敏感になってしまったモロズス卿に、出入りの理髪師が相続金を目当てに”無口な女”を嫁にすることを誘いかける・・・というコメディ。

シュトラウスらしく、様々なパロディで構成されているオペラ。

女性は話好きというのが定番。なのに題名は”無口な女”。

問題を解決しようとする理髪師は、明らかに『フィガロの結婚』や『セビリアの理髪師』のフィガロのパロディ。

モロズス卿の甥が、自ら所属するオペラ団のメンバーと来訪するが、モロズス卿にとって美しいオペラ歌手の歌声は、単なる騒音。

他にも、シュトラウス自身の作品や、過去の名作からのパロディが満載だ。

しかし、時代はそうした”古き良き”ウィーン文化を受け入れる状況ではなかった。

オペラの上演は1935年の初戦後にほどなく上演禁止となり、ツヴァイクはイギリスに亡命した。

2025年7月、ベルリン国立歌劇場での公演から。指揮はクリスティアン・ティーレマン、モロズス卿にペーター・ローズ、家政婦にイリス・フェルミリオン、理髪師：サミュエル・ハッセルホルン、演奏はベルリン州立歌劇場管弦楽団。

リヒャルト・シュトラウス：交響詩『英雄の生涯』

リヒャルト・シュトラウスが、1898年に作曲した交響詩。これが、シュトラウスにとっては最後の交響詩となった。

その最後を締めくくるように、この交響詩のテーマは、自らの生涯を音楽で綴った内容だが、この曲を作曲した時、シュトラウスはまだ30代だった。

英雄。ホルンの壮麗な音楽が印象的。父親がホルン奏者だったシュトラウスにとって、ホルンは自分を象徴する楽器だったのだろう。

英雄の敵。シュトラウスを批判する音楽評論家たちの様子が、陰鬱な音楽で表現される。

英雄の妻。第1ヴァイオリンが優しいメロディを奏でる。

英雄の戦場。一転して、激しい戦いの音楽。

英雄の業績。ドン・ファンなどのこれまでのシュトラウスの作品からの引用で構成される。

英雄の隠遁と完成。英雄は隠遁し、静かな死を迎える。英雄とその妻を象徴する、ヴァイオリンとホルンの美しい音楽。

1986年のベルリンフィルのサントリーホールでの来日公演から。指揮は小澤征爾。カラヤンが急病で来日が叶わず、小澤征爾が代役を務めた。

Rシュトラウス：オーボエ協奏曲

シュトラウスが、1945年に作曲した唯一のオーボエのための協奏曲。

スイスのチューリッヒに暮らすシュトラウスの元に、あるアメリカの有名なオーボエ奏者が訪れて、作曲を促したことが経緯で作曲された。

第1楽章から最後まで切れ目なく演奏される。

全編を通じて、オーボエの伸びやな音質を活かした、穏やかな音楽が展開される。

2022年9月、NHKホールでの公演から。オーボエはエヴァ・スタイナー。指揮はファビオ・ルイージ。演奏はNHK交響楽団。

リヒャルト・シュトラウス：オペラ『影のない女』

リヒャルト・シュトラウスが、1914年から1917年にかけて作曲した作品。まさに第1次世界大戦が行われている真っ最中だった。

台本は、フーゴ・フォン・ホフマンスタール。この2人はそれまでに『エレクトラ』、『町人貴族』、『ナクソス島のアリアドネ』、『ばらの騎士』と言ったオペラを一緒に作ってきた。

子供ができない皇帝の妻は影を持っていない。それが子供ができない理由だとして、同じく子供ができなくて悩んでいるある夫婦の妻から影を奪おうとするのだが・・・というストーリー。

メルヘンオペラと言われる内容で、2組のカップルが試練に遭遇して立ち向かうというストーリーは、明らかにモーツァルトの『魔笛』を意識している。

いかにもシュトラウスらしい、美しくもどこかで退廃や嫌悪を感じさせる独特な音楽が展開されていく。

2019年5月、ウィーン国立歌劇場での講演から。指揮はクリスティアン･ティーレマン。皇后役にカミッラ･ニールント、皇帝役にステファン･グールド。

シュトラウス：ヴァイオリン協奏曲

リヒャルト・シュトラウスが、1861年から1862年に作曲した、最初のヴァイオリン協奏曲。まだわずか18歳であった。

3つの楽章からなる。特に最初の楽章は、将来のシュトラウスらしい音楽の片鱗が現れている。

他のシュトラウスの作品に比べると、演奏される機会はほとんどない。

NHK交響楽団の定期演奏会から。指揮はパーヴォ・ヤルヴィ。ヴァイオリンは、アリョーナ・バーエワ。

リヒャルト・シュトラウス：アルプス交響曲

リヒャルト・シュトラウスが、1914年〜1915年にかけて作曲した交響曲。

交響曲と名つけられているが、楽章から構成されてはいない。

夜に始まり、日の出から日没まで、そして再び夜へ。その1日の中での、登り道、小川、滝、牧場、氷河などのアルプスの情景が、短い音楽によって綴られている。

他のシュトラウスの曲でも聴くことのできる、シュトラウスの音楽の断片が、所々に織り込まれている。

シュトラウスが幼い時にアルプスに登った時の印象が元になっており、ニーチェのアンチクリストなどの影響も受けている。

神の存在しない自然の情景を音楽によって描いた、といったところだろうか。

2014年6月に、ドレスデンのゼンパーオーパーで行われた、リヒャルト・シュトラウス生誕150年記念コンサートでの演奏。

この交響曲を本人による指揮で初演した、シュターツカペレ・ドレスデンと、指揮者はクリスティアン・ティーレマン。

リヒャルト・シュトラウス：交響詩『ツァラトゥストラはこう語った』

リヒャルト・シュトラウスが、1894〜1896年に作曲した交響詩。

ニーチェに対するオマージュとして作らているが、同名の有名な書をそのまま音楽にしたものではない。

シュトラウスは、ミュンヘン大学で哲学の授業を受けた際に、ニーチェの哲学に大きな衝撃を受けたという。

30分ほどの作品だが、以下のような幾つかのモチーフで構成されている。

序奏
背後の世界の住人について
大いなるあこがれについて
歓喜と情熱について
墓場の歌
科学について
病いが癒（い）えつつある者
踊りの歌
夢遊病者の歌

2016年2月に東京で行われた、パーヴォ・ヤルヴィ指揮、NHK交響楽団の演奏。

リヒャルト・シュトラウス：変容

リヒャルト・シュトラウスが、1944〜1945年にかけて作曲した、23のソロ弦楽奏者のための音楽。

第2次大戦末期に書かれ、次第に崩壊していく国家を目の当たりにしながら作られた曲で、実に陰鬱な音楽だが、その悲しがなメロディが、実に美しい。

オリジナルの23の弦楽だけによる演奏は、明日の希望が打ち砕かれるほどの陰鬱な音楽だが、この演奏では楽器数をもっと増やし、エンターテイメントを考慮した内容になっていた。

2016年2月に東京で行われた、パーヴォ・ヤルヴィ指揮、NHK交響楽団の演奏。

リヒャルト・シュトラウス：オペラ『カプリッチョ』

リヒャルト・シュトラウスが、1940年から1941年にかけて作曲した、最後のオペラ。自ら台本の制作にも関係している。

サリエリのオペラ、『まずは音楽、次に言葉』をリメークした作品。

音学と詩では、どちらが優れているか、というテーマを、恋愛を絡めた音楽劇に仕立てている。

シュトラウスは、『ナクソス島のアリアドネ』でも、悲劇と喜劇を競わせるオペラを作っている。

冒頭の弦楽六重奏の奏でる音楽が、実に美しい。

2013年の3月のウィーン歌劇場の公演から。

リヒャルト・シュトラウス：交響詩『ティル・オイレンシュピーゲルの愉快ないたずら』

リヒャルト・シュトラウスが、1894年から1895年にかけて作曲した交響詩。

シュトラウスは、当初は、このテーマでオペラを作ることを構想していたが、最終的には、交響詩という形式に落ち着いた。

そのせいか、最初の有名なテーマは、”むかしむかし、あるところに・・・”を表し、クラリネットのコミカルなメロディは、ティルの笑い声であるなど、物語性に溢れた、多彩な音楽になっている。

新しい音楽を作ってやろうという、野心に燃えた、若きリヒャルト・シュトラウスを代表する曲の一つと行っていいだろう。

ウィーン・フィルによる、恒例のシェーンブルン夏の夜のコンサート2014から。指揮はクリストフ・エッシェンバッハ。

リヒャルト・シュトラウス：ブルレスケ

若きリヒャルト・シュトラウスが、1886年、24歳の時に作曲した、ピアノと管弦楽のための音楽。

章には分かれておらず、自由な構成で、ワルツ風の音楽、アダージョのような音楽、そしてシュトラウスらしいダイナミックな音楽が、次々に登場する。

ピアニストには、高度な演奏力が要求される。

ブルレスケとは、英語のバーレスクで、諧謔的な音楽のこと。

ウィーン・フィルのシェーンブルン夏の夜のコンサート2014から。ピアノはランラン、指揮はクリストフ・エッシェンバッハ。

リヒャルト・シュトラウス：紀元2600年祝典曲

日本政府は、1940年（昭和15年）に紀元2600年を記念するために、アメリカ、イギリス、ドイツ、フランス、イタリア、ハンガリーに、祝典曲の作曲を依頼した。

ナチス政権のゲッペルスは、この曲をシュトラウスに依頼し、シュトラウスは、この曲をわずか8日間で書き上げた。

当時、シュトラウスは、オペラ：カプリッチョの曲を作曲中で、その合間の、やっつけ仕事だったようだ。

祝典曲らしく、パイプオルガンなども使った華やかさと、所々で、シュトラウスらしい、モダンな音楽も取り混ぜている。

海の情景、桜祭り、火山の噴火、サムライの突撃、天皇頌歌。という5つの表題が付けられているが、シュトラウスが自分で付けたものではない。

曲を後から聞いた、日本の関係者が、音楽の雰囲気から、そう名付けたのだろう。

内容は、アルプス交響曲とかなり似通っているという。日本での初演は、歌舞伎座で行われた。

2014年のN饗の定期演奏会での演奏。指揮は、ネーメ・ヤルヴィ。

リヒャルト・シュトラウス：祝典前奏曲

シュトラウスが、ウィーン・コンツェルトハウスのこけら落としのために依頼され、1912年に書き下ろした、管弦楽用のおよそ10分ほどの曲。

パイプオルガンを駆使して、文字通り、華やかなおめでたい曲になっている。

クライマックスの部分は、壮麗で、ワーグナーの音楽用にも聞こえるし、一部、薔薇の騎士の音楽のようにも聞こえる。

2014年4月のN饗の定期演奏会での演奏。指揮は、ネーメ・ヤルヴィ。

リヒャルト・シュトラウス：バレエ音楽『ヨセフの伝説』

シュトラウスが、1912〜14年にかけて作曲した、バレエ用の音楽。ディアギレフ率いる、オペラ・リュスからの依頼だった。

バレエのストーリーは、洗礼者のヨハネを、権力者の妻が誘惑しようとするが果たせず、その妻はヨセフを拷問するが、ヨセフは神に救われる、という聖書の物語。

どうみても、サロメのバレエ版のように思える。

しかし、音楽は、オペラと違ってバレエ用というだけあって、シュトラウスとしては、踊りのための音楽と割り切っていたらしい。

そのためか、サロメよりは、よりおとなしい感じの音楽になっている。

2014年4月のN饗の定期演奏会。指揮は、ネーメ・ヤルヴィ。

リヒャルト・シュトラウス：オペラ『ばらの騎士』

リヒャルト・シュトラウスの代表的なオペラで、フィガロの結婚と並んで、私が最も愛するオペラ作品の一つ。

シュトラウスは、それまでサロメ、エレクトラなどの前衛的なオペラを作っていた。

この作品では、モーツァルトのフィガロの結婚をもとにして、もっとポピュラーでありながら、しかも、前衛的な音楽を取り混ぜた、独自のオペラ作品を目指した。

脚本は、当時のウィーンを代表する作家、ホフマンスタール。これ以上、望むべくも無いコンビが、音楽史上における屈指の名作オペラを作り上げた。

作曲した時期は、1909年から1910年にかけて。すでに、ヨーロッパの秩序は、崩れかけていた。

第1幕では、元帥夫人マリー・テレーズとオクタヴィアンとの、愛とすれ違いが奏でられる。

幕の最後で、マリー・テレーズは、オクタヴィアンに、自分がこれから年老いていくこと、そして、彼が、やがて自分から離れていくことを告げるが、オクタヴィアは、その言葉を受け入れられない。

第2幕の冒頭では、そのオクタヴィアンが、ばらの騎士として、ゾフィーと運命的な出会いをする。

その場面での2人の二重奏は、このオペラのハイライト。シュトラウスのメロディメーカーとしての才能が、いかんなく発揮される。

このオペラの悪役、オックス男爵のシーンでは、ウィーンのワルツのテーマが流れる。2幕の終了のシーンで、それが効果的に使われる。

ウィーンを代表する音楽が、オックス男爵の音楽に使われるというところに、シュトラウスのユーモア心が垣間見える。

第3幕では、そのオックス男爵がまんまと罠にはまるが、元帥夫人マリー・テレーズが登場し、彼女なりの結末をこのオペラにもたらす。

悪役のオックスが、壮大なウィーンオペラが奏でられる混乱の中に去り、残された3人の、終わりと始まりが演じられる。

数あるオペラ作品の中でも、このシーンほど美しいシーンは、他に思いうかべることが、実に難しい。

自分の愛人だった若いオクタヴィアンの愛が、若いゾフィーに移っていくことを、悲しく、しかし毅然と見送るマリー・テレーズ。

3人のそれぞれの感情が、ソプラノとメゾ・ソプラノの美しい歌で奏でられる。

マリー・テレーズが去った後に、オクタヴィアンとゾフィーが、自分たちの愛の未来を歌い上げる。

主要な登場人物、元帥夫人マリー・テレーズとオクタヴィア、ゾフィーと悪役のオックスの4人の人物の造形と、それを象徴する音楽が素晴らしい。

1994年、ウィーン歌劇場における、カルロス・クライバー指揮の伝説的な公演。とにかく配役が素晴らしい。

ソプラノの元帥夫人マリー・テレーズにフェリシティ・ロット、メゾ・ソプラノのアンネ・ソフィー・フォン・オッター、ソプラノのゾフィーにバーバラ・ボニー、バスのオックス男爵にクルト・モル。

全体の演出は、伝統的。今後のすべてのこのオペラの公演を評価するのに仕える、スタンダード的な公演だ。

リヒャルト・シュトラウスの生涯 第V部 辞世のうたー去りゆく古き良きヨーロッパ

2014年の東京・春・音楽祭。リヒャルト・シュトラウスをテーマとしたマラソン･コンサートもいよいよ最後。第V部は、シュトラウスの晩年の曲を中心とした構成。

最初の曲は、メタモルフォーゼン。オリジナルでは、23の独奏弦楽器のための習作のための、ということになっているが、ここでは、レオポルト編曲による、弦楽七重奏版で演奏された。

この曲は、第2次世界単線の末期、1945年4月、ドイツの降伏の直前に完成された。

とにかく暗い音楽で、聴いているうちに、こちらの気分がだんだんと悪くなってくるくらいに、暗い。

およそ30分くらいの曲だが、余りの曲の暗さに、20分くらいすぎた頃から、会場内には、”まだ終わらないか？”という無言の雰囲気が漂ってくる。

演奏が終了した時の拍手には、”ようやく終わった。終わってくれて、ありがとう！”という気持ちがこもっているように感じられた。

シュトラウスは、ヒトラーのナチス政権下において、帝国音楽院の総裁を務めていた。そのため、戦後はナチスへ協力した罪を問われ、裁判にかけられ、結局は無罪となったが、高齢のこともあり、その後はあまり表立った活動は行わなくなった。

メタモルフォーゼンとは、変容、あるいは複数の変奏という意味だが、それは音楽的な意味よりは、シュトラウス自身の気分的な意味合いが強いのかもしれない。

ドイツは、連合国軍による度重なる空襲で荒廃しきっていた。ミュンヘン、ドレスデン、そしてウィーンといった名だたる歌劇場は、その空襲で破壊された。

当時すでに80歳を超えていたシュトラウスは、自分の死と、ドイツの死を目の前にし、瞑想と、そのいずれの復活をも、この曲を通して願ったの知れない。

メロディは、終止暗いが、時折、明るさを取り戻しそうになるが、それもつかの間、すぐに、悲しい世界に戻ってしまう。

演奏は、ウェールズ四重奏団、佐々木亮（ヴィオラ）、門脇大樹（チェロ）、池松宏（コントラバス）。

後で、CDでオリジナルのより大きな構成での演奏を聴く機会があったが、このコンサートで聴いたほど、暗さは感じなかった。この小編成だったからこそ、あの音楽が生み出されたのだろう。

続いて、その暗い不雰囲気を、少し中和するかのような、ソプラノの横山恵子による、あおい、という歌曲。これは、シュトラウスの最後の作品。

1948年11月に書かれ、シュトラウスは、その翌年の9月に85歳で亡くなっている。

続いては、その死より半世紀前の1894年に作られた、4つの歌から、メゾソプラノの加納悦子のよる、憩え、わが魂。シュトラウスが2番目のオペラが失敗したことで、落ち込んでいた時の曲で、やや暗い内容。

そして、有名な歌曲、4つの最後の歌。安井陽子と横山恵子がそれぞれ2曲づつを歌った。

シュトラウスは、この珠玉の作品を死の前年の1948年に作っている。人生の、ある地点に到達した心境が、そのまま音楽として溢れ出ているようだ。

最後は、再び、ばらの騎士から、オペラの終盤に歌われる、私が誓ったことは。

元帥夫人は、若い愛人のオクタヴィアンとの愛をあきらめて、オクタヴィアンとゾフィーとの愛を祝福する。オクタヴィアンは、元帥夫人への後ろめたさに躊躇しながらも、すでに気分はゾフィーとの愛に移っている。そして、ゾフィーは、そうした事情を全く知らず、ただただ、オクタヴィアンとの愛を純粋に喜び、歌う。

この3人の感情が、シュトラウスの悲しくも美しい音楽で表現され、例えようもない、素晴らしい音楽世界を生み出す。

このオペラを初めて目にし、耳にした時の感動が、再びよみがえる。

音楽と、物語が、これほど融合した作品は、他にそう簡単に見つけられるものではない。オペラという芸術作品の、ひとつの頂点がそこにある。

偉大な作曲家でありながらも、実に複雑な人生を歩んだ、リヒャルト・シュトラウスという人物をテーマにした、このコンサート・シリーズの最後に相応しい曲だった。

リヒャルト・シュトラウスの生涯 第IV部 オペラ作曲家として

2014年、東京・春・音楽祭の、リヒャルト・シュトラウスをテーマにしたマラソン･コンサート。第IV部は、いわばハイライトとも言える、オペラ作品を中心としたプログラム。

リヒャルト・シュトラウスというと、やはりオペラの作曲家というイメージが強い。

シュトラウスのオペラの中でも、飛び抜けた人気を誇る、ばらの騎士から「ワルツ」。ヴァルターズが、ヴァイロリンとピアノ用に編曲したバージョン。ヴァイオリンは、成田達輝。ピアノは津田裕也。

いわゆるウィーンワルツ。生粋のウィーンっ子にしか出せないと言われる、独特のワルツのリズム。成田は、かなりがんばっているように思えたが、やはり、どこか違う、と感じてしまう。

1905年に初演され、大ヒットしたサロメからは、オペラのハイライトで演奏される、７つのヴェールの踊り。ジンガーがピアノ用に編曲したもの。

当時の前衛的な音楽と、古典的な音楽を組み合わせた難曲を、津田裕也は見事に弾き熟した。

（参考）リヒャルト・シュトラウス：オペラ『サロメ』

1841年に初演されたカプリッチョからは、弦楽六重奏曲版による序曲。ウェールズ四重奏団と佐々木 亮（ヴァイオリン）、門脇大樹（チェロ）による演奏。

同じく、カプリッチョから、クラウスの編曲による舞曲。成田達輝（ヴァイオリン）、奥泉貴圭（チェロ）、津田裕也（ピアノ）による演奏。

そして再び、ばらの騎士からの歌曲、だれも知らない。メゾソプラノは加納悦子。

元帥夫人が、若い愛人のオクタヴィアンと甘い夜を過ごした後で歌われる歌。よくよく考えてみれば、かなりきわどい内容の歌だ。

当時のウィーンの有閑マダムたちは、それと同じような経験をしている人もいたろうし、それを憧れる人もいたであろう。それぞれの思いを、この歌から感じたに違いない。

そしてこの曲は、実は、最後の第V部にもつながっている意味を持っている。

1927年に初演され、不評だったエジプトのヘレナからは、第二の新婚初夜！魅惑的な夜、をソプラノの横山恵子で。

最後は、1916年に初演された、ナクソス島のアリアドネから、ソプラノの安井陽子による、偉大なる王女様。

このオペラでは、悲劇と喜劇を同時に演じる、というユニークな演出が採られている。

（参考）リヒャルト・シュトラウス：オペラ『ナクソス島のアリアドネ』

この第IV部は、シュトラウスのオペラから、前半は踊りにまつわる曲、後半は、愛の情事にまつわる曲を集めて構成する、という凝った内容だった。

リヒャルト・シュトラウスの生涯 第III部 時代の寵児となった、若き天才音楽家

東京春祭マラソン･コンサート、リヒャルト・シュトラウスの生涯の第III部は、時代の寵児となった、若き天才音楽家、と題して、1880、1890年代の作品を中心とした構成。

最初は、1882年、18歳の時に作曲した、13 管楽器のためのセレナードという曲のピアノ・ソロ版。シュトラウスは、生涯、セレナードはこの1曲しか作らなかった。ピアノは、津田裕也。

続いて、同じ頃に書かれたチェロ・ソナタから第3楽章。チェロの演奏は、奥泉貴圭。

そして、次はこの第III部のハイライトとも言える、もうひとりのティル・オイレンシュピーゲル。

オーケストラ用に作曲された、交響詩『ティル・オイレンシュピーゲルの愉快な いたずら』を、ハーゼンエールが、ヴァイオリン、コントラバス、ク ラリネット、ファゴット、ホルンの小編成用に編曲したもの。

編成は小さいが、原曲の持つ、コミカルな魅力は健在、十分に楽しめる。

1895年に発表した、この『ティル・オイレンシュピーゲルの愉快ないたずら』に代表される交響詩によって、シュトラウスは、一気に時代の寵児になった。

同時期のウィーンでは、マーラーがダイナミックな構成の交響曲を発表していた。

時代の変化の中で、音楽を楽しむ人々は、古典主義やロマン主義に変わる、新しい、時代の変化に応じた、大胆な音楽を求めるようになったのだろう。

そして、最後は、万霊節、ツェチーリエ、愛の神、ダリア、献呈、冬の夜、なんと不幸な男だろう、たそがれの夢、の8つの歌曲。

そのうち、ソプラノの安井陽子が最初の3曲を、メゾ・ソプラノの加納悦子が、後半の5曲を歌った。

ドイツの歌曲というと、もっと大人しく、静かなものかなあ、と想像していたが、意外にも、シュトラウスの歌曲は、情熱的なものが多かった。

リヒャルト・シュトラウスの生涯 第II部 イノック・アーデン

東京春祭マラソン･コンサートの第II部。テーマは、イノック・アーデン。

シュトラウスは、ある舞台俳優の要請により、イギリスの詩人、テニスンの詩、イノック・アーデンをもとに、メロドラマ、という作品を、1897年に作り上げた。

ピアノのスケッチをBGMにして、詩を朗読するというもので、オペラとも、歌曲とも違っている。

詩の内容は、実に悲しい物語だ。

貧しい漁船で生まれ育った2人の少年と1人の少女。イノックは、立派な青年に成長し、幼なじみのアニーと結婚する。生まれた子供のために、一旗揚げようと、外洋航海の船員となるがその船が無人島に難破してしまう。

アンネは、イノックは死んだものとあきらめ、やさしく支えてくれるフィリップと再婚し、子供も生まれたが、奇跡的に救助されたイノックが村に戻ってくる。

全てを知ったイノックは、アニーと我が子を愛するがゆえに、自ら身を引き、一人で寂しく息を引き取る。

冒頭に、重苦しい、悲しげなメロディがピアノで奏でられる。この音が、物語全体の基調を表している。

詩の朗読は、元NHKアナウンサーの松平定知。ストーリーは悲しい内容だが、感情を最小限に抑えて、淡々と語る。それが、物語の悲しさを、より一層引き立てている。

ピアノ演奏は、清水和音。

ピアノの登場する場面は、思った以上に少なく、場面の切れ目に登場して、その場面の雰囲気を伝える程度に留まっている。

全体としては、朗読劇であり、シュトラウスは、その朗読がより効果的に伝わるように、BGMとしての音楽を作ったのだろう。